Formada en 2011 como Gyze, la banda de Samurai Metal Ryujin ofrece hábilmente heavy metal y una brillante magia de la guitarra desde Japón con su próximo álbum homónimo, Ryujin, que se lanzará el 12 de enero de 2024 a través de Napalm Records.
La banda está encantada de compartir su tema más pesado y rápido con infusión de folk hasta el momento, titulado "Gekokujo", junto con un vídeo musical intenso y de alto valor de producción. ¡La canción explora matices de death metal, thrash e influencia folk, colisionando como un festival de riffs de técnica vertiginosa!
Combinando letras japonesas e inglesas y contando con la producción y varias colaboraciones invitadas de Matthew Kiichi Heafy (Trivium), los rápidos riffs de Ryujin y sus vertiginosos descensos de guitarra se combinan con elementos tradicionales japoneses en su próximo álbum homónimo, entregando un sonido influenciado. por todo, desde el antiguo Gagaku orquestal hasta incluso temas de anime modernos.
El líder y cerebro de Ryujin, Ryoji Shinomoto, dice sobre el nuevo sencillo: “En la historia japonesa, gekokujo se refiere al acto de una persona de menor rango que derroca política o militarmente a una persona de mayor rango, viola el orden social y toma el poder. Yo diría que la canción es folk metal de terror japonés. El vídeo musical también muestra el horror único de Japón. ¡Disfruta también del lado oscuro de Ryujin!
Después de lanzar cuatro álbumes muy aclamados y aparecer en los principales festivales de todo el mundo, Ryujin ha desarrollado su propia identidad, expresada con acentos de instrumentación tradicional japonesa de buen gusto (Shamisen, Dragon Flute, Erhu, Taiko) y la increíble guitarra de Ryoji Shinomoto. ¡Técnica de trituración y voces desgarradoras!
Ryujin cuenta con la producción de Matthew Kiichi Heafy y la mezcla/masterización de Mark Lewis, con apariciones especiales de Heafy (voz y dirección en varias pistas) y Mukai Wataru de la Orquesta Filarmónica de Kansai (violonchelo). Combinando letras japonesas e inglesas, las canciones de Ryujin incluyen títulos basados en las palabras del pueblo ainu de Hokkaido (la región natal de Ryujin), así como famosas pinturas y modismos japoneses.
La pista instrumental de apertura, “Hajimari”, prepara un escenario siniestro para el abrasador “Gekokujo”, un festival de riffs de death metal con estilo thrash que choca con pasajes expresivos de inspiración folk y una técnica que hace girar la cabeza. Los ardientes protagonistas de Ryoji se combinan instantáneamente con las incomparables habilidades del baterista Shuji Shinomoto y el bajista Aruta Watanabe. El Primer sencillo “Raijin & Fujin” es una tormenta épica de power metal con contribuciones vocales invitadas de Matthew Kiichi Heafy, que se transforma en un tornado de contrabajo traqueteante y solos catapultadores, mientras que “The Rainbow Song” también presenta voces limpias y altísimas de Heafy mezcladas entre heavy metal melódico moderno y Innovación en power metal. Temas como “Dragon, Fly Free” y “Kunnecup” invitan al oyente a cantar con Ryujin mientras pintan lienzos musicales de aventura y positividad. “Scream of the Dragon” regresa a influencias extremas en medio de estribillos edificantes y una historia que combina letras en inglés y japonés, antes de que “Gekirin” se aventure en influencias de death metal más oscuras, cayendo en cascada en melodías de inspiración náutica (ya que “Ryujin” es un dios dragón del mar en la mitología japonesa, estos temas musicales oceánicos se entrelazan perfectamente a lo largo del álbum).
El álbum se acerca al final con tres obras conmovedoras, principalmente en japonés: la balada tipo ópera rock “Saigo No Hoshi”, la poderosamente victoriosa e inspirada “Ryujin” y una versión de “Guren No Yumiya” de Linked Horizon. ”- ampliamente conocido como tema de apertura de la popular serie de anime Attack On Titan. El álbum termina con una versión extra en inglés de “Saigo No Hoshi”, con la voz nuevamente interpretada por Matthew Kiichi Heafy.
Ryujin tracklisting:
1"Hajimari"
2"Gekokujo"
3"Dragon, Fly Free"
4"Raijin & Fujin"
5"The Rainbow Song"
6"Kunnecup"
7"Scream Of The Dragon"
8"Gekirin"
9"Saigo No Hoshi"
10"Ryujin"
11"Guren No Yumiya"
12"Saigo No Hoshi" (feat. Matthew K. Heafy) (Single Edit)
El megalito del heavy rock con sede en Estocolmo, Lucifer, ha lanzado un nuevo sencillo "Slow Dance In A Crypt". La canción es otra precursora del nuevo álbum, Lucifer V, que saldrá el 26 de enero a través de Nuclear Blast Records.
La quinta entrega de Lucifer, que consta de nueve himnos impíos, puede considerarse fácilmente como su obra maestra y ve a la banda canalizando todas sus fortalezas conocidas de discos anteriores en una masa monumental de rock and roll pesado electrizante.
"Slow Dance In A Crypt" muestra un lado más tranquilo de Lucifer y al mismo tiempo permite que las guitarras distorsionadas se eleven durante su coro de himno. Con un sonido muy parecido a Lucifer, la canción también es un testimonio de la inclinación de la banda por el rock y la música pop de los años 60. El vídeo musical correspondiente de Chris Shonting es una secuela temática del último, "At The Mortuary", y continúa su Una historia morbosa sobre el amor eterno que trasciende la muerte, todo filmado al estilo de George A. Romero de finales de los 60.
Lucifer se formo en Berlín,Alemania en 2014 por la líder Johanna Sadonis(Johanna Claudia Platow Anderson). Después de varios cambios de miembros, la vocalista Sadonis sigue siendo el único miembro constante, con la formación actual compuesta por el baterista Nicke Andersson(Hellacopter,Entombed), los guitarristas Martin Nordin y Linus Björklund, y el bajista Harald Göthblad. Actualmente con base en Estocolmo, los miembros son suecos con la excepción de la alemana Sadonis.La banda cuenta con cuatro realizaciones asta la fecha mas su album aun no lanzado Lucifer V.
Hoy en día hay una gran cantidad de bandas de Heavy Metal cuyo éxito se basa en un sonido "retro" de Hard Rock tradicional, influencias tipo Black Sabbath. Muy pocos de ellos se acercan a la calidad y autenticidad que se exhibe en el colectivo internacional conocido como Lucifer. Con Nicke Andersson (Entombed, The Hellacopters) en la batería, la banda está realmente elevada por el talento vibrante y cautivador de Johanna Sadonis, nativa de Berlín, Alemania y esposa de Nicke. Su talento vocal y su magnética presencia en el escenario han llevado a su banda a las alturas gracias a dos álbumes de larga duración, Lucifer I de 2015, Lucifer II de 2018,Lucifer III,Lucifer IV y el pronto alnzarse Lucifer V.
En 2019 el sitio Cryptic Rock hablo con los musicos a cargo de la banda elmatrimonio de Johanna Sadonis y Nicke Andersson.
CR – ¿Has estado involucrado en la música durante al menos 20 años?
Johanna Sadonis – Probablemente más que eso. Supongo que desde que tenía 14 años.
CR – Has formado parte de bandas tan variadas como el Electro-pop de Informer hasta participar en algunas bandas de Black Metal. En total, has estado involucrada en muchas cosas diferentes. ¿Qué tiene el enfoque estilo Sabbath y cargado de Doom de Lucifer que te atrae como compositora y vocalista en comparación con los sonidos más pesados y el pop?
Johanna Sadonis – Bueno, supongo que pasas por fases en tu vida. El Black Metal y el Death Metal fue cuando yo era un adolescente. La música a la que Lucifer se refiere a menudo, bandas como Deep Purple, Led Zeppelin y ZZ Top, era material que escuchaban mis padres, así que no estaba bien para mí cuando era adolescente. Para mí en aquel entonces era como 'Dad Rock'. A mi hermano le gustaba el punk rock, así que para mí tenía que ser el metal extremo más duro.
En Los Ángeles, tenía esta banda Informer con mi amiga Rayshele Teige. Ella fundó el sello Century Black de Century Media Records. De hecho, la conocía de la escena del Black Metal. Ambos teníamos esa experiencia, luego tuvimos una fase en la que salíamos mucho y escuchábamos bandas como Ladytron y cosas así. Pensamos que era divertido, así que hicimos un álbum juntas.
CR – Eso es muy interesante. Pocas personas saben que hiciste música de esa naturaleza.
Johanna Sadonis – Esa fue una fase breve. El rock siempre ha sido el hilo conductor de mi vida. Cuanto más vieja me hacía, más profundo y más atrás retrocedes en el tiempo en la historia del Rock. Para mí, eso es simplemente clásico. Hard Rock y Heavy Metal es donde está. Creo que ahí es donde me detuve y donde quiero evolucionar. Eso es lo que más he estado haciendo. Ya sabes.
CR – Sin duda es un estilo en el que tu voz parece perfectamente adaptada para cantar. La música de Lucifer II es un poco más alegre, más cálida y un poco más concisa que su predecesora. Qué desafiante fue escribir canciones llenas de ganchos como “California Sun”, “Dreamer” y “Phoenix”.
Nicke Andersson – Suenan accesibles, pero no puede ser fácil escribir ese tipo de canciones. Porque siento que es casi más difícil escribir buenas canciones cargadas de ganchos y dulces para el oído que escribir cosas más complejas; de lo contrario, todo el mundo lo haría. ¿Es más desafiante?
Johanna Sadonis – Eso es cierto. Eso es lo que siempre pienso de AC/DC o los Ramones. Algo que suena muy simple, pero que en realidad es muy difícil de hacer. Para mí fue muy fácil hacer melodías vocales sobre música que Nicke había escrito. Me dejó mucho espacio, porque está muy acostumbrado a escribir para su propio canto. Esa base simplemente deja mucho espacio.
No tuve mucho eso en el primer álbum con Gaz (ex-Cathedral). Porque Gaz Jennings está muy acostumbrado a escribir para gente que simplemente gruñe. Así que puede volverse loco con el riff. No es necesario dejar espacio para la melodía vocal. A veces era un poco difícil. Porque ya hay tantos riffs acumulados que son increíbles. No necesita otra melodía encima, ¿sabes? Así que no, trabajar con Nicke Andersson en Lucifer II fue como un paseo por el parque. "Dreamer" fue la primera canción que hicimos.
CR – Eso es realmente genial. “Dreamer” es una canción realmente genial. ¿Cómo es el proceso creativo dentro de la banda? ¿Nicke escribe la música o cómo se te ocurre material nuevo y cómo lo juntas?
Johanna Sadonis – Primero hablamos de qué dirección tomar. Hablamos mucho de música y escuchamos mucha música. Escuchamos algo como "Oh, deberíamos tener una canción como esta", ¿sabes? En la mayoría de los casos, él (Andersson) viene con la música y luego yo me siento solo y escribo la letra y la melodía vocal sobre ella. Tenemos dos casos en los que primero le di la melodía vocal y luego él escribió la música en torno a eso. Yo simplemente grababa los versos y el estribillo, luego se los daba y luego él se sentaba y hacía la música a su alrededor. Eso fue “Atón” y “Before the Sun”.
Intentaremos hacer más de eso. Eso me hace hacer cosas que no habría hecho de otra manera. Es realmente genial, porque tengo todas estas grabaciones en mi teléfono. A veces se me ocurre algo y lo canto en mi teléfono, por ejemplo lo hice con “Before the Sun”. Se la puse a Nicke cuando estábamos sentados en un avión, solo yo cantando en mi teléfono.
Nicke Andersson – Casi tuve que obligarla a enviarme esto.
Johanna Sadonis – Sí, me da mucha vergüenza.
Nicke Andersson – Sólo envíamelo. (Risas)
Johanna Sadonis – He hecho esto toda mi vida. Pero nunca le he dado mis grabaciones a nadie. Siempre he cantado sobre cosas de otras personas. Fue realmente genial para mí, que finalmente tuviera una salida para eso.
CR – ¿Linnéa Olsson (guitarrista) escribió la música del álbum The Oath de 2014?
Johanna Sadonis – Bueno, ella escribía riffs y luego yo hacía lo mismo. Sentarse y escribir el resto y hacer las voces y luego lo arreglaríamos juntos. En realidad, estábamos en la sala de ensayo y ella decía: Tengo este riff y simplemente lo tocamos. Entonces lo haría en el acto. Lo mismo ocurrió con Gaz. Enviábamos cosas de un lado a otro. Así que trabajé solo. Por otra parte, incluso con mi esposo Nicke aquí, ahora vivimos juntos. Todavía le envío cosas y él me envía cosas, luego voy al estudio o a otra habitación.
CR – ¿Entonces todavía necesitas ese aislamiento?
Johanna Sadonis – Quiero estar sola.
CR – Has indicado que el nombre de tu banda no es sólo irónicoo. A diferencia, por ejemplo, del grupo británico Satan. Banda muy respetada, pero no son satánicos.
Ustedes se llaman Lucifer, y del coro de la canción “Sabbath” de Lucifer I, “Nunca me inclinaré, me arrodillaré , adorare, orare”, hasta la divertida historia del diablo en la costa oeste de “California Sun”. Está claro de qué se trata. ¿Existe una corriente más profunda de lo oculto que surge de tus creencias personales, o las letras están hechas para adaptarse al tono de las canciones?
Johanna Sadonis – No, no, no es sólo para mostrar. Cuando tenía 16 años trabajé en una librería de ocultismo en Berlín. Fue entonces cuando me metí en ese tipo de cosas. Sí, hay un interés más profundo en eso. Pero supongo que en el primer álbum puede ser un poco más serio, mientras que en el segundo álbum quería suavizarlo un poco. También me encanta el Rock-n-Roll y la diversión.
También me gusta el Diablo tal como los Rolling Stones ven al Diablo en “Sympathy for the Devil”. Entonces el diablo tiene muchas caras. No quería que Lucifer hablara en serio. Debería ser una banda de Rock and Roll divertida. Creo que eso es bueno para mí ahora. Todo lo demás es personal.
CR – Esa es una elección inteligente; ya hay bastante seriedad y el mundo es muy pesado. Es bueno ver un enfoque más honesto. Entonces, ¿cómo empezaste como vocalista? ¿Cuáles fueron algunos de los cantantes y compositores que te inspiraron al principio y qué te llamó la atención primero?
Johanna Sadonis – Los primeros recuerdos que tengo son los de mi madre dándome recopilaciones de cintas de Rock-n-Roll de los años 50 con Chuck Berry y Jerry Lee Lewis y me encantaba the Shangri-La cancion “Leader of the Pack.”. Por alguna razón, el mensaje de esa canción y esas voces de chicas me parecieron tan espeluznantes e inquietantes. Creo que tal vez esa fue la primera vez para mí, lo que me atrae.
Luego hubo una fase cuando tenía aproximadamente 7 años, en la que me gustaba Madonna. Entonces mi video favorito de Madonna fue “Like a Prayer”, donde ella baila frente a las cruces en llamas, así que ahí lo tienes.
CR – Ya entonces te dirigías a la música extrema.
Johanna Sadonis – (Risas) Luego, cuando tenía 13 años, fue cuando comencé a ir a shows de Metal. Mi primer show fue Guns N’ Roses, Metallica y Danzig. Eso fue alrededor del 92 o 93. Por supuesto, una variedad de otras bandas. Quiero decir, ha habido muchos a lo largo de los años que encuentro inspiradores. Puedo pasar de Patti Smith a Ozzy Osbourne. Hay tantos geniales por ahí. Me gustan las voces de los personajes. No me gustan las voces demasiado perfectas… me gustan las voces jodidas. Voces sinceras, sí.
Rock Críptico – Interesante. Algunas de las voces más queridas de la música, probablemente no sean perfectas, pero lo hacen funcionar. Como Axl Rose y Dave Mustaine. Dave Mustaine tiene una voz muy rara.
Johanna Sadonis – Correcto. Es como el tono y la sinceridad.
CR – Bueno, parece que tienes ambos, así que eso es bueno. Tuviste un coqueteo con la música pop, aunque no del tipo Top 40. ¿Conoce a la artista Myrkur, de Dinamarca? ¿Amalie Bruun?
Nicke Andersson – Sí, sí. Ella es muy popular. Son como riffs de metal, pero ella canta música folk.
CR – Ella recibe todo tipo de mierda porque viene de un mundo pop. ¿Crees que recibe más mierda por ser mujer?
Johanna Sadonis – Sí. Totalmente. Nunca la conocí, pero sí a muchas otras cantantes de la escena. Siempre tengo estas conversaciones con esas chicas. Todos hemos tenido esas experiencias. Vivimos en un mundo moderno, pero desafortunadamente, algunas personas ni siquiera se dan cuenta de que todavía atienden al sexismo. Incluso mujeres. Porque está muy profundo en nuestros sistemas de comportamiento. Pienso en toda la mierda que solía tomar, o comentarios, mientras crecía en los años 90 y demás. Quiero decir, ahora soy bastante franco, así que ya no aguanto más mierdas, pero a veces estoy desconcertada, ¿sabes?
Tengo la suerte de estar rodeada de gente realmente buena. Sé que vivir en Suecia... Los suecos son muy modernos. Incluso allí, sabes que todavía encuentras que hay algunos malos pensamientos. Todavía tenemos un largo camino por recorrer. Tienes que tener un poco de piel dura, humor y no debes soportar ninguna mierda. Incluso ahora me afecta. Quiero decir, a veces veo comentarios, ¿sabes?
Cuando no se trata de música, cuando se trata de apariencia o cosas superficiales. Cosas superficiales que no tienen nada que ver con el corpus del trabajo. O un titular con la rubia Johanna Sadonis… no dice el pelirrojo Dave Mustaine, ¿sabes? Luego está todo este asunto, la etiqueta de frente femenina. O los promotores a veces intentan contratarnos junto con otras bandas sólo porque tienen chicas.
Nicke Andersson – Eso me parece realmente extraño. Siempre hay 4 chicos y una chica. Eso no tiene nada que ver con el género. Es sólo la composición de la banda.
Johanna Sadonis – En una entrevista hace un par de días, donde alguien comparó nuestra música con The Genitorturers. Quiero decir, es bastante obvio por qué. (Dos cantantes principales de cabello rubio) Eso es como comparar a Garbage con Megadeth solo porque ambos tienen cabello rojo.
CR – Exacto. Eso es un juicio bastante pobre.
Johanna Sadonis – ¿Has escuchado su música?
Cryptic Roc – Sí. Son una banda de rock sórdido un tanto industrial cuya música se centra en el mundo del BDSM.
Johanna Sadonis – Nunca escuché Genitorturers (Banda de la esposa de David Vincente ex morbid Angel). Tuvimos que buscar la canción en YouTube. Escuchábamos la música y es como, "uh, no". No deberíamos compararnos porque la música es muy diferente.
CR – ¿Entonces no vas a azotar ni castigar a nadie en el escenario hoy? ¿Quizás a tu marido Nicke?
Johanna Sadonis – (Risas) Solo a Alex, si no toca bien. (refiriéndose a Alexander Mayr, bajista)
CR –¿te gustan las películas de terror? Si es así, ¿cuáles son algunas de tus favoritas?
Johanna Sadonis – Mi película de terror favorita es Rosemary's Baby (1968). También me encantan las películas de zombies o de mutilaciones. Ese o el Horror Psicológico de Hitchcock. No me gusta este tipo de terror moderno, donde la trama es simplemente torturar tanto a la gente. Me parece insoportable verlo. No lo entiendo. Como aquella película Saw (2004). No soporto esa mierda. Es todo lo mismo. Es como si entraran en la habitación y luego, uno tras otro, los mataran. Esto debe ser para personas que están completamente insensibles a los sentimientos y que necesitan ese tipo de emoción.
Queensrÿche ha lanzado un vídeo de "Nocturnal Light", extraído de su último álbum, Digital Noise Alliance, lanzado en octubre de 2022. El clip, dirigido por Above The Void, se puede ver a continuación:
El decimosexto álbum de estudio de Queensrÿche continúa con su legado en constante evolución. Una vez más, en colaboración con el productor Zeuss (Rob Zombie, Hatebreed), Digital Noise Alliance no sólo refracta los logros pasados de Queensrÿche, sino que también avanza hacia el futuro de la banda. Es la banda que va viento en popa sin esfuerzo: inmediata y estimulante.
, que no sólo han superado las dificultades que el COVID-19 infligió a toda la industria musical, pero también toda una serie de dificultades personales y profesionales que seguramente convencerían a muchas bandas de rendirse y morir. Pero no esta interpretación de la banda de Seattle. De hecho, fácilmente podrían haber titulado este disco "Phoenix" porque una bestia absoluta está resurgiendo de las cenizas.
Su camino hacia la locura ha sido largo, sinuoso y sufrido, especialmente para los aficionados, cuya lealtad y paciencia se han puesto a prueba con interminables titulares dramáticos. La lista de bajas parece un informe policial. Después de alcanzar la cúspide creativa de la banda con el dúo de metal titánico de “Operation Mindcrime” (1998) y “Empire” (1990), las cosas comenzaron a desmoronarse con “Promise Land” de 1994, que carecía del pegadizo y cohesivo golpe de sus predecesores. “Hear in the Now Frontier” (1997) supuso una crisis de identidad absoluta, que marcó el comienzo de salida de Chris DeGarmo, a quien muchos fans consideraban el alma de la banda.
Gran parte de lo que vino después parecía estar fuertemente dirigido por Geoff Tate, cuya distintiva y altísima voz principal era un aspecto característico de la banda. Los siguientes cinco discos fueron mediocres , y era muy evidente que se había perdido la magia. El esfuerzo de Tate simplemente no fue suficiente para rescatar los discos de la composición plana y del vacío que apareció cuando DeGarmo se fue. El intento mal concebido de capitalizar el éxito comercial de “Operación Mindcrime” con una secuela descuidada simplemente empañó el pretigio de la banda. Abundaban los rumores de desersión en sus filas, y con el irónico título de 2011 “Dedicated to Chaos”, Queensrÿche tocó fondo. Los shows en vivo carecían de inspiración y, en 2012, los titulares de las revistas de metal y rock habalron del cantante principal que escupió a su baterista en Brasil, con la necesidad de separarlos físicamente, una separación que eventualmente se volvería permanente.
Al marcharse Tate de la banda, el ex vocal de Crimsom Glory, Todd La Torre se puso en los zapatos significativamente grandes de Geoff Tate y encabezó una versión sin Tate con los miembros restantes, mientras que Tate llevó su propia versión de gira con una mezcla heterogénea de músicos oficiales. Ahora la base de fans se vio obligada a elegir bando.En los años siguientes, ambos equipos corrieron para batir récords y reclamar el título de legitimidad. A juzgar por su rendimiento, el equipo de La Torre se adelantó mucho y dejó atrás la versión de Tate. Todd pareció comprender la identidad de la banda original e impulsó a los miembros a respetar el antiguo trabajo y realinearse con lo que hacía grande a la banda.mientras Tate parecía seguir buscando algo que resultó difícil de alcanzar. Un caso judicial finalmente resolvió a favor de otorgarle al equipo de La Torre el nombre oficial de la banda.
los primeros tres discos con Todd La Torre al frente hicieron mucho para restaurar la fe y el respeto. de la música que inicialmente cautivó a los fans en los años 80. Cada uno pareció generar impulso y refinar el proceso de la banda para volver a la relevancia. El homónimo “Queensrÿche” estableció la impresionante capacidad vocal de La Torre e hizo un esfuerzo por recuperar el sonido clásico sin repetir lo antiguo. “Condition Hüman” exploró un territorio nuevo sin desviarse demasiado, pero fue “The Verdict.” de 2022 parte de ese punto de partida. Con “Digital Noise Alliance”. Queensrÿche finalmente recuperó el sonido enojado, pesado y característico de la banda.
Hubiron más bajas en el personal. Por razones que siguen siendo no reveladas, el veterano baterista, Scott Rockenfield nunca grabó partes de “The Verdict”. Entonces La Torre no solo cantó, sino que también se hizo cargo de la batería, ofreciendo una interpretación inesperadamente sólida. El ex baterista de Kamelot, Casey Grillo, había estado tocando con la banda en vivo durante bastante tiempo, pero recién ahora en “Digital Noise Alliance” hace su debut discográfico con Queensrÿche. Y hace una aparición increíble. A pesar de sus raíces en el power metal, Casey aporta una interpretación fresca y apasionada a la batería que eleva este disco. Scott parece haberse ido para siempre, pero la posición de percusión quedo en buenas manos.
Una vez más, la banda se asoció con un productor llamado Zeuss, y no se puede subestimar el esfuerzo que hizo para lograr que el disco fuera sonoramente superior, con tonos de batería y guitarra que rugen, aplastan, rompen y crujen de una manera que pocos discos de la época pueden igualar. La interpretación de Todd en el disco es realmente sólida y los efectos aumentan las capas de trabajo innovador de fondo que aporto.
La mayoría del disco presenta canciones vanguardistas y dinámicas, con ganchos y melodías que son accesibles al instante pero lo suficientemente complejas como para pasar la prueba de escuchas repetidas sin aburrirse. Hay dos momentos estilísticamente divergentes en el disco, uno es el cierre inesperado del álbum: una versión rockera de Billy Idol “Rebel Yell”, que en realidad es más divertido de lo esperado y una interpretación fantástica de una canción que ha sido versionada por muchos. La versión de Todd de las variadas voces de Idol es sorprendentemente efectiva.
En general, las canciones son muy fuertes. La producción es impecable. Y de alguna manera Todd La Torre logra conservar una sorprendente capacidad vocal a pesar de una larga relación con el tabaquismo. “Digital Noise Alliance” es una fantástica incorporación al catálogo de Queensrÿche. uno que se basa en el sonido clásico y el estilo característico de su mejor producción y de alguna manera utiliza tecnología de producción moderna para construir un mecano mejor, en lugar de simplemente un clon.
Es muy escuchable gracias en gran parte a las opciones de tono. La bateríav de Casey es firme y están intercala con “gonks” de platillos con amplio panorama que rompen cualquier monotonía de percusión. Los tonos de la guitarra son exuberantes, mordaces y angulosos. Los solos corean y se elevan como debería hacerlo un disco de Queensrÿche. Aparentemente, durante las sesiones del álbum, Michael Wilton empleó varios amplificadores antiguos de los primeros días de la banda. “Terminamos usando la colección de viejos Marshalls de Michael”, dice Zeuss . “Los encendíamos y pensábamos: '¡Guau!', como si estuviéramos despertando a esta bestia. Aportó muchas buenas vibraciones al álbum”.
En resumen, “Digital Noise Alliance” es un disco metalero/rockero que Suena clásico y contemporáneo...es fácil sorprenderte gratamente al escucharlo durante el proceso.
Sebastian Bach (ex-Skid Row) ha lanzado el nuevo sencillo, "What Do I Got To Lose?". La canción ya está disponible escúchela a continuación .
"What Do I Got To Lose?" fue coescrito por Sebastian, Myles Kennedy (Alter Bridge, Slash) y Elvis Baskette (Mammoth WVH, Slash), el último de los cuales también se desempeñó como productor de la canción.
Las guitarras encajan en un ritmo trepidante en la pista mientras la voz de Sebastian suena en el estribillo: "What Do I Got To Lose?"El impulso da paso a una ventaja para el vídeo, Sebastian se une a su ex compañero de banda de Skid Row, el baterista Rob Affuso.
"Para mí,"What Do I Got To Lose?" es el sentimiento perfecto para mí en este momento", se ríe Sebastian. “Es un himno para volver y aplastarlo. Es hora de imponer la ley y pisar el martillo al estilo de la vieja escuela”.
Escucha aquí y mira el vídeo, dirigido por Jim Louvau y Tony Aguilera, a continuación:
"What Do I Got To Lose?"(¿Qué tengo que perder?) aparecerá en el nuevo álbum de Bach, que saldrá en 2024.
Para el lanzamiento de "What Do I Got To Lose?" el cantante, compositor, autor, estrella de Broadway y actor se asoció con Reigning Phoenix Music para su lanzamiento. Marca la primera música nueva de Sebastian en diez años.
"No puedo expresar lo feliz que estoy de tener un equipo completo de profesionales del rock and roll a mi lado con la música RPM", añade Sebastian. “¡Hemos estado trabajando juntos en este disco durante más de ocho años y no podría estar más orgulloso de los resultados! Gerardo, Oscar, Sven y todos en RPM Music comparten la pasión del rock n' ¡Rueda y juntos esperamos patear traseros en todo el mundo en 2024!
"Todos en RPM estamos muy emocionados de trabajar con Sebastian Bach", dice Gerardo Martínez de RPM. "¡Es una de las personalidades más emblemáticas y posiblemente uno de los mejores cantantes de la historia del hard rock y el metal!"
En el frente en vivo, Sebastian saldrá de gira en 2024 para una combinación de conciertos en solitario y apariciones en festivales con más fechas que se anunciarán en los próximos meses. Las fechas iniciales de 2024 están a continuación:
"Estoy muy feliz en este momento porque soy una gran admiradora tuya", dijo la panelista Nicole Scherzinger después de la revelación. “Sí, eres un Dios del Rock, eres una leyenda, pero eres un vocalista brillante. Puedes hacer cualquier cosa con tu voz”.
Bach, vestido como Tiki, gritó el clásico de KISS “I Was Made For Lovin’ You” mientras el fuego brotaba del escenario. Después de que Kelly Osbourne, quien interpretó a Ladybug en la segunda temporada, dio una pista sobre Japón, la panelista Nicole Scherzinger rápidamente recordó su actuación de 2006 en Japón con The Pussycat Dolls, donde tocaron KISS, Alice In Chains y Skid Row. Con la insinuación, Scherzinger supo que era Bach.
Sepultura se separarán después de embarcarse en una gira de despedida en 2024.
El próximo año se cumple el 40 aniversario de la banda brasileña de metal, y lo celebran emprendiendo una gira de 18 meses que supuestamente será la última.
La banda anunció la impactante noticia en una conferencia de prensa esta mañana (8 de diciembre), donde expresaron su gratitud por su histórica, a veces complicada, carrera, y revelaron que este viaje épico de cierre ha estado en proceso durante dos años.
Ahora, la banda ha emitido un comunicado de prensa explicando la decisión detrás de su separación y sus planes sobre cómo se retirarán. Ve su declaración completa a continuación.
Sepultura ha emitido hoy el siguiente comunicado...
"Sepultura ha llegado al final del camino y ha elegido partir mediante una muerte consciente y planificada. A lo largo de los próximos 18 meses celebraremos 40 años de existencia junto a nuestros fieles fans en una gira de despedida por todo el mundo. Será una celebración del pasado y del presente por última vez.
"Después de 4 décadas llenas de altibajos, de haber visitado 80 países y de innumerables culturas diferentes, tuvimos la oportunidad de convertirnos en el mensajero de Brasil para el mundo y difundir nuestros colores y ritmos por todo el mundo. Con nuestro último álbum de estudio Quadra, un momento destacado de nuestra carrera, sumamos un capítulo inolvidable seguido de la experiencia SepulQuarta que nos ayudó a superar juntos los momentos difíciles de la pandemia. Uniremos nuestras fuerzas para una despedida final y fuerte. Y todos ustedes pueden ser parte de ello.
"Durante esta gira del 40 aniversario, grabaremos 40 temas en vivo en 40 ciudades diferentes y lanzaremos una recopilación masiva de nuestros mejores y más enérgicos momentos en el escenario.
"Estamos felices y muy agradecidos por todo lo que pudimos presenciar en las últimas cuatro décadas. Lanzamos grandes álbumes y tocamos shows inolvidables, cultivamos amistades, conocimos a nuestros ídolos, contribuimos a colocar el metal brasileño en el mapa mundial y, por lo tanto, sentimos que podemos salir de la escena musical con el sentido del deber cumplido.
"Siempre hemos tenido los mejores fans del mundo, que nos apoyaron con elogios y críticas, que fueron exigentes e inteligentes, que crecieron junto con la banda y siempre han sido leales. Sin vosotros, nada de esto hubiera sido posible. Este álbum y esta gira son para ti. Querida SepulNation: ¡te amamos y siempre lo haremos!
"Eutanasia, derecho a una muerte digna. ¡El derecho a elegir vivir libre y a elegir cuándo morir!
En europa, Sepultura celebrará contigo por última vez juntos. Como invitados especiales, los altos vuelos del metal progresivo ucraniano Jinjer se unirán a ellos en las 20 fechas, junto con los death metaleros de la vieja escuela Obituary y Jesus Piece de Filadelfia.
Los chicos del metal moderno suizos , Illumishade, presentan su segundo disco y su debut en la disquera Napalm Records, Another Side Of You, que se lanzará el 16 de febrero.
Liderado por la vocalista Fabienne Erni y el guitarrista Jonas Wolf (ambos de Eluveitie) y completado con orquestación y sintetizadores del compositor de cine Mirjam Skal, bajo de Yannick Urbanczik y batería de Marc Friedrich, Illumishade equilibra hábilmente todas las cosas oscuras y claras en Another Side Of You.
En su nuevo sencillo del nuevo álbum, “Here We Are”, el carisma radiante de Erni brilla más que nunca con su entrega vocal cristalina. El trabajo de guitarra de Wolf es tan apasionante y emotivo como siempre, mientras que una nueva dosis de progresivo moderno aporta vanguardia a la elaborada composición de la banda. La canción impresiona con un estribillo pisando fuerte y una variedad emocionante en su pasaje central, y llega acompañada de un impresionante vídeo musical.
Illumishade sobre “Here We Are”: “‘Here We Are’ es un himno a la esencia de estar en el aquí y ahora. Habla de aceptar el legado de la historia, reconociendo nuestra posición actual como base desde la cual podemos avanzar”.Mire el video de “Here We Are” a continuación.
Another Side Of You es el sucesor del aclamado álbum debut de Illumishade, Eclyptic: Wake Of Shadows. El segundo golpe muestra un enfoque más moderno tanto lírico como musicalmente, al mismo tiempo que transporta al oyente a un mundo inmersivo rico en fascinantes paisajes sonoros (incluso mejorados por la Budapest Art Orchestra en ciertos puntos) y líneas vocales masivas y oníricas, marcando el comienzo perfecto de un nuevo capítulo para este prometedor equipo.
Illumishade añade: “Marcando el comienzo de una nueva era, nuestro álbum Another Side Of You une lo tangible y lo etéreo. Es una odisea a las múltiples facetas de las emociones humanas, pero también a los desafíos que todos enfrentamos en este mundo en constante cambio. Another Side Of You trata de conectarte con la realidad y, al mismo tiempo, dejar que la música te lleve a lugares desconocidos”.
Nada más empezar, el abridor “ELEGY” oscurece el cielo sonoro con riffs pesados, paisajes sonoros siniestros y un estribillo relajante. Incluso aparece un Theremin, mostrando la paleta experimental de la banda desde el principio. Los etéreos tapices de grandeza cinematográfica de Skal se encuentran pesadamente sobre la fuerte sección rítmica, pero aún más en su pariente más pesado “CYCLONE”. La pista amplía este enfoque, convirtiéndola en la pieza de resistencia progresiva del álbum con sus franjas cinematográficas de sonido, ataques de guitarra solista al estilo Meshuggah e incluso un final majestuoso que recuerda a Pink Floyd fusionado con Tesseract. El baterista Marc Friedrich brilla aquí, mostrando una deslumbrante variedad de rellenos balísticos y ritmos complejos.
Por otro lado, está “Cloudreader”, un himno edificante y muy accesible que desciende sobre el corazón del oyente como un cálido sol de otoño. El trabajo de batería altamente dinámico e intrincado le da un toque bienvenido, mientras que la potencia del metal moderno “Here We Are'' impresiona con un estribillo pisando fuerte y una variedad emocionante en su parte central. Illumishade no es ajeno a las baladas, ya que “Fairytale” está repleto de emoción, lo que demuestra que Fabienne Erni es, sin lugar a dudas, una de las vocalistas más talentosas de la escena del metal actual, lo que recuerda a su grandiosa interpretación en “Rise” of Eclyptic. “. La guitarra de Jonas Wolf brilla en Another Side Of You, con riffs imponentes y pistas abrasadoras como en “Fairytale” y el homenaje al power metal “In The Darkness”, combinando ingeniosamente pirotecnia en el diapasón, melodías conmovedoras que a menudo rodean la voz de Erni y una saludable dosis de blues. , convirtiéndolo en un actor realmente emocionante en la escena.
Mientras que la sección rítmica demuestra algunos de sus trabajos más impactantes en el tema del metal moderno “Riptide”, la atmósfera de nostalgia creada en “TWILY” lleva al oyente a un viaje completamente diferente con melodías vibrantes y probablemente el riff más pegadizo del álbum, brindando más influencias modernas al plato nuevamente. Una gran sorpresa nos espera en forma de cierre del álbum “Verliebt” (en inglés, enamorado). Respaldada por hermosas melodías de piano interpretadas por Coen Jannsen de Epica, la canción final se canta en el alemán suizo nativo de Erni y, como en todas las canciones, presenta letras escritas conmovedoramente por el bajista Yannick Urbanczik.
Crucial Velocity combina temas que invitan a la reflexión (guerra de Ucrania, enfermedades mentales) utilizando elementos de Sabbath, Queensrÿche, Opeth y Voivod con poderosas voces en capas que recuerdan a Queen. Un nuevo vídeo, realizado por Wayne Joyner (Dream Theatre, Devin Townsend, Alter Bridge), para la canción “Lilium” está disponible a continuación y es un relato de primera mano de una disección de un cadáver humano.
La banda: Crucial Velocity cuenta con los músicos veteranos Matt Thompson (King Diamond) en la batería, la leyenda de la guitarra Michael Harris (Chastain/Harris, Thought Chamber, Darkology, solista), el vocalista de Shaolin Death Squad, Androo O’Hearn, y el compositor y guitarrista Nate Bauer.
“Crucial Velocity pretendía ser un experimento de dos canciones, pero después de escuchar los resultados me sentí obligado a seguir escribiendo porque sabía que esto era algo especial. Matt Thompson llevó la batería a lugares que nunca imaginé. Michael Harris muestra su personalidad de metal/fusión a lo largo del álbum. Y Androo O'Hearn es un nombre que todo el mundo debería conocer. Su combinación de voces y el uso de técnicas únicas, como el canto de garganta tribal en 'Sins Of Pilate', está absolutamente al siguiente nivel”. --Nate Bauer
El álbum fue mezclado y masterizado por el veterano ingeniero Gary Long en Nomad Recording Studio, Dallas.
