El Supergrupo de metal sinfónico Exit Eden, con Clémentine Delauney (Visions Of Atlantis), Anna Brunner (League Of Distortion) y Marina La Torraca (Phantom Elite), revelan su segundo nuevo sencillo, una versión dramática de uno de los mayores éxitos de Journey, “Separate Ways”.
La nueva obra maestra de Exit Eden "Femmes Fatales" es una ilustración de la fuerza y el empoderamiento femenino, y contiene sus propias composiciones originales, así como versiones de éxitos internacionales. El trío le da al icónico “Separate Ways” un nuevo paisaje sonoro, vistiendo el gran éxito de AOR de los 80 con un velo de pesadez sinfónica. Mira el vídeo musical a continuación.
Exit Eden afirma: "Nuestra versión de este clásico de Journey es un tributo al rock 'n roll y a las melodías atemporales". Estamos encantados de volver a contar este cuento musical con nuestras propias voces y compartirlo con ustedes hoy”.
Cuando Clémentine Delauney, Anna Brunner, Marina La Torraca y Amanda Somerville se unieron para formar Exit Eden, coronado por el lanzamiento de su primer álbum, Rhapsodies in Black, en el verano de 2017, inmediatamente quedó claro que esta combinación ¡Sé poderoso y mágico! Estas cuatro destacadas e independientes vocalistas demostraron que la pesadez sinfónica puede ir de la mano de la música pop, vistiendo clásicos conocidos con un paisaje sonoro aún inédito y evocando algo más que un simple álbum de covers.
Ahora presentado como trío, el nuevo larga duración de Exit Eden sigue el camino de su predecesor, ya que contiene seis versiones de famosos superéxitos intergeneracionales, pero esta vez también brilla al ofrecer seis composiciones originales. Con una excepción (“Dying In My Dreams”, coescrita por Marina La Torraca), las cinco canciones originales restantes cobraron vida gracias a Anna Brunner y Hannes Braun (Kissin' Dynamite), quien también es responsable de la grabación, producción y mezcla, mientras que el álbum fue masterizado por Jacob Hansen (Delain, Amaranthe, Volbeat, Destruction y muchos más).
Con confianza en sí mismo, dirigiéndose directamente al tentador mundo de Exit Eden, la apertura de “Femme Fatale”, “Buried In The Past” y “Hold Back Your Fear” evoca una atmósfera mística con cuerdas y elementos orquestales, rematados por voces complementarias que unen la diversidad sonora del trío exclusivamente femenino. “Dying In My Dreams” y el cierre del álbum “Elysium” marcan el tono como cautivadores temas de medio tiempo con intensos estribillos que hablan directamente al corazón. Avanzando en el camino donde lo dejó Rhapsodies in Black, Exit Eden eligió la siguiente selección de súper éxitos internacionales, transformándolos en su propia creación, pero aún rindiendo reverencia a los originales de Femmes Fatales. “It's a Sin” (Pet Shop Boys), “Separate Ways” (Journey), “Desanchantée” (Mylène Farmer), “Poison” (Alice Cooper), “Alone” (Heart) y “Kayleigh” (Marilion), re -arreglados como composiciones de rock/metal sinfónico indudablemente llamativas.
Con voces estelares, un concepto excepcional y una producción de alta calidad, Exit Eden ha creado otro álbum destacado que logra expandir aún más la identidad del supergrupo y brinda a los fanáticos la oportunidad de experimentar a tres de las mujeres más bellas y talentosas del metal.
El grupo estadounidense de death metal, Skeletal Remains, ha lanzado un vídeo para "Relentless Appetite", el nuevo sencillo de su próximo álbum Fragments Of The Ageless, que se lanzará el 8 de marzo a través de Century Media. Mira el clip a continuación.
Skeletal Remains prepara otro asalto de death metal con Fragments Of The Ageless. La formación de Chris Monroy (guitarra/voz), Mike De La O (guitarra), Pierce Williams (batería) y Brian Rush (bajo) encarnan el género del death metal oldschool al estilo Florida, yendo más profundo, más oscuro y hasta los bordes de la brutalidad.
"Fragments Of The Ageless es una losa contundente de puro death metal", dice la banda. “Un aluvión tiránico y explosivo de riffs y composiciones sencillos. Todo en este álbum es jodidamente brutal y directo”.
Skeletal Remains dice: Fragments Of The Ageless fue escrito entre giras y festivales europeos y estadounidenses con Emperor, Morbid Angel, Mortician, Left To Die y Defeated Sanity, entre otros. Las sesiones de composición se caracterizaron por una mentalidad sin límites, donde la creatividad y los rituales conocidos del género se daban en igualdad de condiciones. El resultado no fue sólo una obra maestra definitiva del death metal, sino una evolución.
"Llevamos las cosas a un nivel superior y realmente nos centramos en el tecnicismo y la intensidad cada vez mayor sin dejar de mantener el atractivo", dice el grupo. “Con cada nuevo disco, nos esforzamos por mejorar en nuestra capacidad musical y de composición. Por un lado, hemos aumentado en densidad y brutalidad, y por el otro, escribimos algunas canciones con estructuras más largas y 'épicas'”.
Los temas líricos de Fragments Of The Ageless abarcan folklore, ciencia ficción, historia y lucha personal. Se inspiraron en la sorprendente portada de Dan Seagrave (Entombed, Memoriam).
El álbum fue coproducido por la banda y experto en estudio Dan Swanö (Opeth, Incantation), quien también lo mezcló y masterizó.
El death metal no está muerto con Fragments Of The Ageless. ¡Nunca ha sido más mortal!
En 2021 en entrevista con el sitio metalwarfare con el guitarrista/vocalista chris monroy quien hablo sobre los comienzos de la banda y sus influencias musicales aquí un extracto:
MW: Cómo comenzaron Skeletal Remains, ¿cómo se formaron ustedes?
Chris Monroy: Más o menos, no sé si lo sabes, pero también toco en Fueled by Fire, así que estaba Ocupado con eso. Uno de mis viejos amigos de la escuela secundaria se me acercó y estaba tratando de comenzar una banda de death metal y me pidió ayuda para comenzar, así que sí, lo ayudé. Fuimos al estudio y grabamos 3 temas. 3 originales y una versión y fue entonces cuando el guitarrista original Mike, me pidió que le ayudara a empezar la banda. Así que fuimos Mike, Chris y yo quienes grabamos la demo, pero cuando Mike se fue terminé la demo con el baterista. La demo estaba prácticamente terminada, así que decidimos lanzarla, no queríamos dejarla ahí y no presionarla. Así que lo lanzamos y mucha gente lo disfrutó y fue entonces cuando pensé que teníamos algo bueno, así que le pedí a dos de mis buenos amigos que conozco desde la secundaria que me ayudaran con las guitarras y el bajo y sí, hombre. Así fue como empezó, pero al principio no fue nada serio para mí, ya que estaba muy ocupado con Fueled by Fire, pero la gente realmente lo disfrutó y nos ofrecieron hacer una gira por Europa. Sí,y todo es historia a partir de ahí.
MW: El nombre original de la banda era Anthropolgy, ¿correcto?
Chris Monroy: Sí, ese era el nombre original cuando Mike y yo empezamos la banda y una vez que Adrius y Adrian entraron en la banda, La idea de cambiar el nombre habían comenzado una banda hace algún tiempo con el nombre de Skeletal Remains, pero nunca despegó ni hizo nada porque estaban muy ocupados con cosas personales, así que una vez que me dijeron el nombre, me quedé sin palabras. como si hombre, eso realmente encaja mejor. Así que terminamos usando ese nombre y enumeramos las demos con ese nombre. Llego justo antes de que lanzáramos la demos.
MW: Musicalmente, mucha gente que los va a comparar con Pestilence, pero Definitivamente escuché que ustedes tienen su propia identidad, pero ¿cuáles son algunas otras bandas que los han influido?
Chris Monroy:: Sí, como dijiste, definitivamente Pestilence es más o menos el material extremo de principios de los 90, (que escuchamos) Morbid Angel, Deicide. , Death, por supuesto, umm, algunas cosas canadienses como Gorguts, pero yo diría que las principales influencias serían Pestilence, Gorguts, Death y Demolition Hammer.
MW: ¡Yah Demoliton Hammer patea traseros! Lo que me encanta del sonido de sus chicos es que son capaces de ser técnicos, pero también mantienen los riffs impactantes y las composiciones memorables.
Chris Monroy: Sí, eso es a lo que intentamos apuntar, por supuesto que sí. Quiero que sea técnico pero al mismo tiempo también quiero que sea pegadizo, ya sabes, ¡es una música que te hace tocar la maldita cabeza!
MW: Tengo que admitir que soy un poco Fanboy de Martin Van Drunen, así que cuando escuché tu voz y me gusto inmediatamente, pero ¿cuáles son algunas de tus mayores influencias vocales?
Chris Monroy: Bueno, definitivamente Martin Van Drunen, John Tardy de Obituary, por supuesto, Marc Grewe de Morgoth . Chuck, por supuesto, veamos quién más. Bueno, esas definitivamente serán mis principales influencias, pero también me gusta Max Otero de Mercyless, la banda francesa. Pero mis principales influencias definitivamente serían Chuck, Martin Van Drunen, Luc Lemay y John Tardy. Esos tipos son como leyendas para mí y cuando hicimos nuestra primera gira europea tocamos en el festival Party San en Alemania y no estoy seguro si fue para Grand Supreme Bloodcourt o una de las bandas de Martin, pero tocaron el día anterior a nosotros y en el festival pudimos pasar el rato con él en el backstage y tomar cervezas y nos contó algunas historias realmente interesantes sobre cómo vio a Metallica por primera vez. Fue genial. Marc Grewe subió al escenario y cantó una canción de Morgoth con nosotros que fue realmente genial. Significó mucho para mí poder compartir escenario con alguien que es una gran influencia.
MW: ¿Cuáles son algunas de tus mayores influencias en la guitarra?
Chris Monroy: guitarrista Jason Becker Probablemente sería el número uno. James Murphy probablemente puedas escuchar mucha de su influencia en nuestras canciones, Chuck Schuldiner, por supuesto, Steve Vai, Paul Gilbert, Andy le roque.
MW: Apuesto a que esta es una pregunta difícil, pero ¿cuáles son algunos de tus álbumes de Death metal favoritos?
Chris Monroy: Oh hombre… Spiritual Healing es uno de mis favoritos.Consuming Impulse de Pestilence, por supuesto. Cause of Death de Obituary umm veamos el Deicide - Deicide, Gorguts - Considered Dead, umm, mierda, hay tantos buenos por ahí Morbid Angel - covenant. Entombed – Left hand path es realmente bueno. Me gustan las cosas suecas, por supuesto. Carnage – Dark recollections también.
MW: ¡¡Ese es un álbum increíble!!
Chris Monroy: Sí, es hombre, también Cancer – dead shall rise, es jodidamente genial. Álbum también umm veamos. Mucho más, simplemente no puedo pensar en este momento, pero son muchos buenos álbumes, ¿verdad?
Con su décimo álbum de estudio, In The Twilight Grey, cuyo lanzamiento está previsto para el 15 de marzo a través de Century Media Records, los maestros suecos del blackened death metal , Necrophobic, se sumergen aún más profundamente en las sombras negras.
Hoy la banda lanza la primera canción y vídeo, "Stormcrow". El vídeo, dirigido por Claudio Marino para Artax Film, puede verse a continuación.
La banda comenta: “’Stormcrow’ fue una de las primeras canciones escritas para el nuevo álbum. La idea era tomar los elementos necrofóbicos muy clásicos y combinarlos con un puente de ritmo lento con una fuerte sensación de heavy metal. El tema lírico trata sobre una bestia herida que surge de las profundidades y que pone su confianza en un llamado "Angel alado". Tal vez deberíamos tener cuidado de no dejar que los cuervos lleven nuestras palabras al mundo…”
Con más de treinta años de actividad, al servicio del death metal con sus sus púas y cinturones de balas, Necrophobic son leyendas indiscutibles de la escena del death y el black metal. Formados en 1989 por el baterista Joakim Sterner, los Stockholm Blackhearts propagaron una visión singular y audaz desde el principio. Evitando el amateurismo consciente y los sonidos primitivos que muchos de sus compañeros apreciaban, Necrophobic estableció una identidad propia audaz y vívida, evocando una versión densamente melódica, pero infinitamente perversa, del macabro metal extremo que innumerables bandas menores han emulado desde entonces.
Una vez más, In The Twilight Grey fue producido, mezclado y masterizado por Fredrik Folkare (de los íconos del death metal Unleashed) en Chrome Studios, Estocolmo y diseñado en estrecha colaboración entre Folkare y la propia banda. Para la obra de arte se asociaron con Jens Rydén, otra institución de la escena sueca con ideas afines.
Tomando su apodo de una canción del álbum histórico de 1986 de Slayer Reign in Blood , Necrophobic es un grupo sueco de Blackened Death Metal que surgió a principios de la década de 1990 con un sonido intransigente y un estilo lírico que favorece temas de anti. -Cristianismo y mitología vikinga. Desde su debut en 1993 con The Nocturnal Silence, la banda ha soportado numerosos cambios de formación, pero ha logrado publicar una serie de EP y álbumes punitivos.
El sitio thisisblackmetal com hablo con el baterista fundador Joakim Sterner sobre el estado del black metal y los orígenes de la banda entre otro temas e aquí un extracto.
TIBM: Volvamos a tus orígenes y a los del Swedish Melodic Black. ¿Se puede decir que Necrophobic, junto con Dissection, fueron la primera banda en tocar y, me atrevo a decir, en inventar este tipo de Black Metal que mezclaba el estilo sueco de Melodic Death con las raíces de las primeras bandas de Black Metal? Muéstranos tus principales inspiraciones e influencias musicales de la época y del presente.
Joakim: Cuando empezamos, éramos bastante novatos en todo, pero con una visión fuerte y dedicada sobre cómo queríamos sonar y lucir. Muchas bandas de nuestra zona tenían influencias diferentes a las nuestras. Por supuesto, compartimos algunos de ellos, pero bandas como Napalm Death, Carcass y ese tipo de bandas nunca nos atrajeron. Nos gustaban bandas mucho más oscuras, más oscuras, como Bathory y Venom , eso nos separó un poco de bandas como Nihilist, Dismember, Carbonized , Afflicted Convulsion y aquellas bandas que existían en aquella época. Por supuesto, también éramos Death Metal, pero intentamos añadir melodías fuertes que transmitieran la sensación de oscuridad y maldad. Obviamente fuimos muy malos compositores desde el principio, así que no sonó así desde el principio, pero la visión y el objetivo ya estaban ahí desde el principio. Además, en cuanto a imágenes. También queríamos lucir diferentes a los demás, así que no usábamos camisas de franela y cosas así. No digo que fuéramos los primeros en usarlo, pero sí fuimos de los primeros en usar pantalones de cuero y aparecer todos vestidos de negro, con botas biker/botas de cuero, aunque eso no pasó el primer día, sino en el desarrollo. acercarse a nuestra visión. Incluso intentamos pintar cadáveres en nuestra primera sesión de fotos en 1989, pero no salió como queríamos, así que lo saltamos. Un par de años más tarde, comencé a usar el término “Blackened Death Metal” para describir nuestro estilo musical y separarnos aún más de los demás.
TIBM: La tecnología ha avanzado mucho, incluso en el campo de la colaboración entre músicos. Teniendo esto en cuenta, ¿cómo trabajas en tus composiciones y preparativos para presentaciones en vivo? ¿Preferirías encontrarte en la sala de ensayo o trabajar de forma remota, como hacen muchas bandas hoy en día?
Joakim: Somos una banda tradicional antigua. Siempre hemos tenido y todavía tenemos una sala de ensayo, donde ensayamos de forma bastante regular, pero hoy en día no ensayamos como lo hacíamos en el pasado y con tanta frecuencia como lo hacíamos en el pasado. Hoy en día, ensayamos tanto para mantener la unión como banda como para practicar nuevas canciones, pero ya no escribimos música nueva en la sala de ensayo como lo hacíamos antes. Principalmente estamos allí para ensayar para espectáculos. En cierto modo extraño esa sensación de crear juntos, pero los músicos son diferentes. Algunos prefieren escribir en casa y grabar sus ideas en la computadora/estudio casero y presentar las canciones completamente y eso también es bueno y quizás más eficiente para algunos músicos. Hoy en día todos tenemos familia, así que creo que esta nueva forma nos conviene más a largo plazo.
TIBM: Eres un veterano de la escena del metal sueco. ¿Puedes decirnos cómo está progresando la situación de la música extrema en Suecia hoy en día en comparación con el pasado?
Joakim: No puedo decirte nada sobre la progresión de la escena del metal sueco, ya que, como dijiste,soy un veterano, jaja. No, pero en serio, en realidad no sigo ni tengo tiempo para seguir cómo es la escena. Mi tiempo con mi propia banda es mucho tiempo y trabajo. Luego tengo una vida fuera de la banda, que no sólo está relacionada con la música. Hago muchas otras cosas que encuentro interesantes y a las que dedico tiempo.
TIBM: ¿Cuál es tu opinión sobre la música Black Metal hoy en día?
Joakim: No hay carne ni huesos en el Black Metal actual. Ya he dicho suficiente.
La banda de power metal Signum Regis ha lanzado un vídeo con la letra de "Servants of the Fallen One", el último sencillo de su nuevo álbum, Undivided. El álbum fue lanzado el 17 de noviembre a través de Ulterium Records.
Ronnie König de Signum Regis comenta: “Servants Of The Fallen One” fue escrita, grabada y añadida al álbum como última canción, sólo para asegurarnos de que hubiera suficientes canciones con el 'éxito' características sobre el mismo. Parece que esta decisión fue un jonrón, porque los fans consideran que es una de las canciones más pegadizas o pegadizas del álbum”.
Undivided fue producido, mezclado y masterizado por Jacob Hansen (Volbeat, Kamelot, Evergrey) y la obra de arte épica fue creada por Uwe Jarling (Grave Digger, Mystic Prophecy). Los invitados al álbum incluyen a los guitarristas Jimi Cimbala (No Control) y Daniel J. Fries (Affector) y al vocalista David Åkesson (Moonlight Agony, Quantice, Symphonity).
La composición de Undivided es sólida y las canciones que terminaron en el álbum fueron seleccionadas entre muchas. En el álbum encontrarás canciones rápidas de power metal, canciones épicas de heavy metal, muchas melodías pegadizas, influencias neoclásicas y letras inspiradoras. A lo largo de todo el álbum se escucha la fuerte musicalidad por la que Signum Regis es conocido, coronada por la excelente entrega vocal de Jota Fortinho.
El álbum marca el regreso de Signum Regis a Ulterium Records, el sello donde la banda lanzó tres lanzamientos exitosos entre 2013 y 2015: Exodus, Through The Storm y Chapter IV: The Reckoning.
Formada en 2011 como Gyze, la banda de Samurai Metal Ryujin ofrece hábilmente heavy metal y una brillante magia de la guitarra desde Japón con su próximo álbum homónimo, Ryujin, que se lanzará el 12 de enero de 2024 a través de Napalm Records.
La banda está encantada de compartir su tema más pesado y rápido con infusión de folk hasta el momento, titulado "Gekokujo", junto con un vídeo musical intenso y de alto valor de producción. ¡La canción explora matices de death metal, thrash e influencia folk, colisionando como un festival de riffs de técnica vertiginosa!
Combinando letras japonesas e inglesas y contando con la producción y varias colaboraciones invitadas de Matthew Kiichi Heafy (Trivium), los rápidos riffs de Ryujin y sus vertiginosos descensos de guitarra se combinan con elementos tradicionales japoneses en su próximo álbum homónimo, entregando un sonido influenciado. por todo, desde el antiguo Gagaku orquestal hasta incluso temas de anime modernos.
El líder y cerebro de Ryujin, Ryoji Shinomoto, dice sobre el nuevo sencillo: “En la historia japonesa, gekokujo se refiere al acto de una persona de menor rango que derroca política o militarmente a una persona de mayor rango, viola el orden social y toma el poder. Yo diría que la canción es folk metal de terror japonés. El vídeo musical también muestra el horror único de Japón. ¡Disfruta también del lado oscuro de Ryujin!
Después de lanzar cuatro álbumes muy aclamados y aparecer en los principales festivales de todo el mundo, Ryujin ha desarrollado su propia identidad, expresada con acentos de instrumentación tradicional japonesa de buen gusto (Shamisen, Dragon Flute, Erhu, Taiko) y la increíble guitarra de Ryoji Shinomoto. ¡Técnica de trituración y voces desgarradoras!
Ryujin cuenta con la producción de Matthew Kiichi Heafy y la mezcla/masterización de Mark Lewis, con apariciones especiales de Heafy (voz y dirección en varias pistas) y Mukai Wataru de la Orquesta Filarmónica de Kansai (violonchelo). Combinando letras japonesas e inglesas, las canciones de Ryujin incluyen títulos basados en las palabras del pueblo ainu de Hokkaido (la región natal de Ryujin), así como famosas pinturas y modismos japoneses.
La pista instrumental de apertura, “Hajimari”, prepara un escenario siniestro para el abrasador “Gekokujo”, un festival de riffs de death metal con estilo thrash que choca con pasajes expresivos de inspiración folk y una técnica que hace girar la cabeza. Los ardientes protagonistas de Ryoji se combinan instantáneamente con las incomparables habilidades del baterista Shuji Shinomoto y el bajista Aruta Watanabe. El Primer sencillo “Raijin & Fujin” es una tormenta épica de power metal con contribuciones vocales invitadas de Matthew Kiichi Heafy, que se transforma en un tornado de contrabajo traqueteante y solos catapultadores, mientras que “The Rainbow Song” también presenta voces limpias y altísimas de Heafy mezcladas entre heavy metal melódico moderno y Innovación en power metal. Temas como “Dragon, Fly Free” y “Kunnecup” invitan al oyente a cantar con Ryujin mientras pintan lienzos musicales de aventura y positividad. “Scream of the Dragon” regresa a influencias extremas en medio de estribillos edificantes y una historia que combina letras en inglés y japonés, antes de que “Gekirin” se aventure en influencias de death metal más oscuras, cayendo en cascada en melodías de inspiración náutica (ya que “Ryujin” es un dios dragón del mar en la mitología japonesa, estos temas musicales oceánicos se entrelazan perfectamente a lo largo del álbum).
El álbum se acerca al final con tres obras conmovedoras, principalmente en japonés: la balada tipo ópera rock “Saigo No Hoshi”, la poderosamente victoriosa e inspirada “Ryujin” y una versión de “Guren No Yumiya” de Linked Horizon. ”- ampliamente conocido como tema de apertura de la popular serie de anime Attack On Titan. El álbum termina con una versión extra en inglés de “Saigo No Hoshi”, con la voz nuevamente interpretada por Matthew Kiichi Heafy.
Ryujin tracklisting:
1"Hajimari"
2"Gekokujo"
3"Dragon, Fly Free"
4"Raijin & Fujin"
5"The Rainbow Song"
6"Kunnecup"
7"Scream Of The Dragon"
8"Gekirin"
9"Saigo No Hoshi"
10"Ryujin"
11"Guren No Yumiya"
12"Saigo No Hoshi" (feat. Matthew K. Heafy) (Single Edit)
El megalito del heavy rock con sede en Estocolmo, Lucifer, ha lanzado un nuevo sencillo "Slow Dance In A Crypt". La canción es otra precursora del nuevo álbum, Lucifer V, que saldrá el 26 de enero a través de Nuclear Blast Records.
La quinta entrega de Lucifer, que consta de nueve himnos impíos, puede considerarse fácilmente como su obra maestra y ve a la banda canalizando todas sus fortalezas conocidas de discos anteriores en una masa monumental de rock and roll pesado electrizante.
"Slow Dance In A Crypt" muestra un lado más tranquilo de Lucifer y al mismo tiempo permite que las guitarras distorsionadas se eleven durante su coro de himno. Con un sonido muy parecido a Lucifer, la canción también es un testimonio de la inclinación de la banda por el rock y la música pop de los años 60. El vídeo musical correspondiente de Chris Shonting es una secuela temática del último, "At The Mortuary", y continúa su Una historia morbosa sobre el amor eterno que trasciende la muerte, todo filmado al estilo de George A. Romero de finales de los 60.
Lucifer se formo en Berlín,Alemania en 2014 por la líder Johanna Sadonis(Johanna Claudia Platow Anderson). Después de varios cambios de miembros, la vocalista Sadonis sigue siendo el único miembro constante, con la formación actual compuesta por el baterista Nicke Andersson(Hellacopter,Entombed), los guitarristas Martin Nordin y Linus Björklund, y el bajista Harald Göthblad. Actualmente con base en Estocolmo, los miembros son suecos con la excepción de la alemana Sadonis.La banda cuenta con cuatro realizaciones asta la fecha mas su album aun no lanzado Lucifer V.
Hoy en día hay una gran cantidad de bandas de Heavy Metal cuyo éxito se basa en un sonido "retro" de Hard Rock tradicional, influencias tipo Black Sabbath. Muy pocos de ellos se acercan a la calidad y autenticidad que se exhibe en el colectivo internacional conocido como Lucifer. Con Nicke Andersson (Entombed, The Hellacopters) en la batería, la banda está realmente elevada por el talento vibrante y cautivador de Johanna Sadonis, nativa de Berlín, Alemania y esposa de Nicke. Su talento vocal y su magnética presencia en el escenario han llevado a su banda a las alturas gracias a dos álbumes de larga duración, Lucifer I de 2015, Lucifer II de 2018,Lucifer III,Lucifer IV y el pronto alnzarse Lucifer V.
En 2019 el sitio Cryptic Rock hablo con los musicos a cargo de la banda elmatrimonio de Johanna Sadonis y Nicke Andersson.
CR – ¿Has estado involucrado en la música durante al menos 20 años?
Johanna Sadonis – Probablemente más que eso. Supongo que desde que tenía 14 años.
CR – Has formado parte de bandas tan variadas como el Electro-pop de Informer hasta participar en algunas bandas de Black Metal. En total, has estado involucrada en muchas cosas diferentes. ¿Qué tiene el enfoque estilo Sabbath y cargado de Doom de Lucifer que te atrae como compositora y vocalista en comparación con los sonidos más pesados y el pop?
Johanna Sadonis – Bueno, supongo que pasas por fases en tu vida. El Black Metal y el Death Metal fue cuando yo era un adolescente. La música a la que Lucifer se refiere a menudo, bandas como Deep Purple, Led Zeppelin y ZZ Top, era material que escuchaban mis padres, así que no estaba bien para mí cuando era adolescente. Para mí en aquel entonces era como 'Dad Rock'. A mi hermano le gustaba el punk rock, así que para mí tenía que ser el metal extremo más duro.
En Los Ángeles, tenía esta banda Informer con mi amiga Rayshele Teige. Ella fundó el sello Century Black de Century Media Records. De hecho, la conocía de la escena del Black Metal. Ambos teníamos esa experiencia, luego tuvimos una fase en la que salíamos mucho y escuchábamos bandas como Ladytron y cosas así. Pensamos que era divertido, así que hicimos un álbum juntas.
CR – Eso es muy interesante. Pocas personas saben que hiciste música de esa naturaleza.
Johanna Sadonis – Esa fue una fase breve. El rock siempre ha sido el hilo conductor de mi vida. Cuanto más vieja me hacía, más profundo y más atrás retrocedes en el tiempo en la historia del Rock. Para mí, eso es simplemente clásico. Hard Rock y Heavy Metal es donde está. Creo que ahí es donde me detuve y donde quiero evolucionar. Eso es lo que más he estado haciendo. Ya sabes.
CR – Sin duda es un estilo en el que tu voz parece perfectamente adaptada para cantar. La música de Lucifer II es un poco más alegre, más cálida y un poco más concisa que su predecesora. Qué desafiante fue escribir canciones llenas de ganchos como “California Sun”, “Dreamer” y “Phoenix”.
Nicke Andersson – Suenan accesibles, pero no puede ser fácil escribir ese tipo de canciones. Porque siento que es casi más difícil escribir buenas canciones cargadas de ganchos y dulces para el oído que escribir cosas más complejas; de lo contrario, todo el mundo lo haría. ¿Es más desafiante?
Johanna Sadonis – Eso es cierto. Eso es lo que siempre pienso de AC/DC o los Ramones. Algo que suena muy simple, pero que en realidad es muy difícil de hacer. Para mí fue muy fácil hacer melodías vocales sobre música que Nicke había escrito. Me dejó mucho espacio, porque está muy acostumbrado a escribir para su propio canto. Esa base simplemente deja mucho espacio.
No tuve mucho eso en el primer álbum con Gaz (ex-Cathedral). Porque Gaz Jennings está muy acostumbrado a escribir para gente que simplemente gruñe. Así que puede volverse loco con el riff. No es necesario dejar espacio para la melodía vocal. A veces era un poco difícil. Porque ya hay tantos riffs acumulados que son increíbles. No necesita otra melodía encima, ¿sabes? Así que no, trabajar con Nicke Andersson en Lucifer II fue como un paseo por el parque. "Dreamer" fue la primera canción que hicimos.
CR – Eso es realmente genial. “Dreamer” es una canción realmente genial. ¿Cómo es el proceso creativo dentro de la banda? ¿Nicke escribe la música o cómo se te ocurre material nuevo y cómo lo juntas?
Johanna Sadonis – Primero hablamos de qué dirección tomar. Hablamos mucho de música y escuchamos mucha música. Escuchamos algo como "Oh, deberíamos tener una canción como esta", ¿sabes? En la mayoría de los casos, él (Andersson) viene con la música y luego yo me siento solo y escribo la letra y la melodía vocal sobre ella. Tenemos dos casos en los que primero le di la melodía vocal y luego él escribió la música en torno a eso. Yo simplemente grababa los versos y el estribillo, luego se los daba y luego él se sentaba y hacía la música a su alrededor. Eso fue “Atón” y “Before the Sun”.
Intentaremos hacer más de eso. Eso me hace hacer cosas que no habría hecho de otra manera. Es realmente genial, porque tengo todas estas grabaciones en mi teléfono. A veces se me ocurre algo y lo canto en mi teléfono, por ejemplo lo hice con “Before the Sun”. Se la puse a Nicke cuando estábamos sentados en un avión, solo yo cantando en mi teléfono.
Nicke Andersson – Casi tuve que obligarla a enviarme esto.
Johanna Sadonis – Sí, me da mucha vergüenza.
Nicke Andersson – Sólo envíamelo. (Risas)
Johanna Sadonis – He hecho esto toda mi vida. Pero nunca le he dado mis grabaciones a nadie. Siempre he cantado sobre cosas de otras personas. Fue realmente genial para mí, que finalmente tuviera una salida para eso.
CR – ¿Linnéa Olsson (guitarrista) escribió la música del álbum The Oath de 2014?
Johanna Sadonis – Bueno, ella escribía riffs y luego yo hacía lo mismo. Sentarse y escribir el resto y hacer las voces y luego lo arreglaríamos juntos. En realidad, estábamos en la sala de ensayo y ella decía: Tengo este riff y simplemente lo tocamos. Entonces lo haría en el acto. Lo mismo ocurrió con Gaz. Enviábamos cosas de un lado a otro. Así que trabajé solo. Por otra parte, incluso con mi esposo Nicke aquí, ahora vivimos juntos. Todavía le envío cosas y él me envía cosas, luego voy al estudio o a otra habitación.
CR – ¿Entonces todavía necesitas ese aislamiento?
Johanna Sadonis – Quiero estar sola.
CR – Has indicado que el nombre de tu banda no es sólo irónicoo. A diferencia, por ejemplo, del grupo británico Satan. Banda muy respetada, pero no son satánicos.
Ustedes se llaman Lucifer, y del coro de la canción “Sabbath” de Lucifer I, “Nunca me inclinaré, me arrodillaré , adorare, orare”, hasta la divertida historia del diablo en la costa oeste de “California Sun”. Está claro de qué se trata. ¿Existe una corriente más profunda de lo oculto que surge de tus creencias personales, o las letras están hechas para adaptarse al tono de las canciones?
Johanna Sadonis – No, no, no es sólo para mostrar. Cuando tenía 16 años trabajé en una librería de ocultismo en Berlín. Fue entonces cuando me metí en ese tipo de cosas. Sí, hay un interés más profundo en eso. Pero supongo que en el primer álbum puede ser un poco más serio, mientras que en el segundo álbum quería suavizarlo un poco. También me encanta el Rock-n-Roll y la diversión.
También me gusta el Diablo tal como los Rolling Stones ven al Diablo en “Sympathy for the Devil”. Entonces el diablo tiene muchas caras. No quería que Lucifer hablara en serio. Debería ser una banda de Rock and Roll divertida. Creo que eso es bueno para mí ahora. Todo lo demás es personal.
CR – Esa es una elección inteligente; ya hay bastante seriedad y el mundo es muy pesado. Es bueno ver un enfoque más honesto. Entonces, ¿cómo empezaste como vocalista? ¿Cuáles fueron algunos de los cantantes y compositores que te inspiraron al principio y qué te llamó la atención primero?
Johanna Sadonis – Los primeros recuerdos que tengo son los de mi madre dándome recopilaciones de cintas de Rock-n-Roll de los años 50 con Chuck Berry y Jerry Lee Lewis y me encantaba the Shangri-La cancion “Leader of the Pack.”. Por alguna razón, el mensaje de esa canción y esas voces de chicas me parecieron tan espeluznantes e inquietantes. Creo que tal vez esa fue la primera vez para mí, lo que me atrae.
Luego hubo una fase cuando tenía aproximadamente 7 años, en la que me gustaba Madonna. Entonces mi video favorito de Madonna fue “Like a Prayer”, donde ella baila frente a las cruces en llamas, así que ahí lo tienes.
CR – Ya entonces te dirigías a la música extrema.
Johanna Sadonis – (Risas) Luego, cuando tenía 13 años, fue cuando comencé a ir a shows de Metal. Mi primer show fue Guns N’ Roses, Metallica y Danzig. Eso fue alrededor del 92 o 93. Por supuesto, una variedad de otras bandas. Quiero decir, ha habido muchos a lo largo de los años que encuentro inspiradores. Puedo pasar de Patti Smith a Ozzy Osbourne. Hay tantos geniales por ahí. Me gustan las voces de los personajes. No me gustan las voces demasiado perfectas… me gustan las voces jodidas. Voces sinceras, sí.
Rock Críptico – Interesante. Algunas de las voces más queridas de la música, probablemente no sean perfectas, pero lo hacen funcionar. Como Axl Rose y Dave Mustaine. Dave Mustaine tiene una voz muy rara.
Johanna Sadonis – Correcto. Es como el tono y la sinceridad.
CR – Bueno, parece que tienes ambos, así que eso es bueno. Tuviste un coqueteo con la música pop, aunque no del tipo Top 40. ¿Conoce a la artista Myrkur, de Dinamarca? ¿Amalie Bruun?
Nicke Andersson – Sí, sí. Ella es muy popular. Son como riffs de metal, pero ella canta música folk.
CR – Ella recibe todo tipo de mierda porque viene de un mundo pop. ¿Crees que recibe más mierda por ser mujer?
Johanna Sadonis – Sí. Totalmente. Nunca la conocí, pero sí a muchas otras cantantes de la escena. Siempre tengo estas conversaciones con esas chicas. Todos hemos tenido esas experiencias. Vivimos en un mundo moderno, pero desafortunadamente, algunas personas ni siquiera se dan cuenta de que todavía atienden al sexismo. Incluso mujeres. Porque está muy profundo en nuestros sistemas de comportamiento. Pienso en toda la mierda que solía tomar, o comentarios, mientras crecía en los años 90 y demás. Quiero decir, ahora soy bastante franco, así que ya no aguanto más mierdas, pero a veces estoy desconcertada, ¿sabes?
Tengo la suerte de estar rodeada de gente realmente buena. Sé que vivir en Suecia... Los suecos son muy modernos. Incluso allí, sabes que todavía encuentras que hay algunos malos pensamientos. Todavía tenemos un largo camino por recorrer. Tienes que tener un poco de piel dura, humor y no debes soportar ninguna mierda. Incluso ahora me afecta. Quiero decir, a veces veo comentarios, ¿sabes?
Cuando no se trata de música, cuando se trata de apariencia o cosas superficiales. Cosas superficiales que no tienen nada que ver con el corpus del trabajo. O un titular con la rubia Johanna Sadonis… no dice el pelirrojo Dave Mustaine, ¿sabes? Luego está todo este asunto, la etiqueta de frente femenina. O los promotores a veces intentan contratarnos junto con otras bandas sólo porque tienen chicas.
Nicke Andersson – Eso me parece realmente extraño. Siempre hay 4 chicos y una chica. Eso no tiene nada que ver con el género. Es sólo la composición de la banda.
Johanna Sadonis – En una entrevista hace un par de días, donde alguien comparó nuestra música con The Genitorturers. Quiero decir, es bastante obvio por qué. (Dos cantantes principales de cabello rubio) Eso es como comparar a Garbage con Megadeth solo porque ambos tienen cabello rojo.
CR – Exacto. Eso es un juicio bastante pobre.
Johanna Sadonis – ¿Has escuchado su música?
Cryptic Roc – Sí. Son una banda de rock sórdido un tanto industrial cuya música se centra en el mundo del BDSM.
Johanna Sadonis – Nunca escuché Genitorturers (Banda de la esposa de David Vincente ex morbid Angel). Tuvimos que buscar la canción en YouTube. Escuchábamos la música y es como, "uh, no". No deberíamos compararnos porque la música es muy diferente.
CR – ¿Entonces no vas a azotar ni castigar a nadie en el escenario hoy? ¿Quizás a tu marido Nicke?
Johanna Sadonis – (Risas) Solo a Alex, si no toca bien. (refiriéndose a Alexander Mayr, bajista)
CR –¿te gustan las películas de terror? Si es así, ¿cuáles son algunas de tus favoritas?
Johanna Sadonis – Mi película de terror favorita es Rosemary's Baby (1968). También me encantan las películas de zombies o de mutilaciones. Ese o el Horror Psicológico de Hitchcock. No me gusta este tipo de terror moderno, donde la trama es simplemente torturar tanto a la gente. Me parece insoportable verlo. No lo entiendo. Como aquella película Saw (2004). No soporto esa mierda. Es todo lo mismo. Es como si entraran en la habitación y luego, uno tras otro, los mataran. Esto debe ser para personas que están completamente insensibles a los sentimientos y que necesitan ese tipo de emoción.
Queensrÿche ha lanzado un vídeo de "Nocturnal Light", extraído de su último álbum, Digital Noise Alliance, lanzado en octubre de 2022. El clip, dirigido por Above The Void, se puede ver a continuación:
El decimosexto álbum de estudio de Queensrÿche continúa con su legado en constante evolución. Una vez más, en colaboración con el productor Zeuss (Rob Zombie, Hatebreed), Digital Noise Alliance no sólo refracta los logros pasados de Queensrÿche, sino que también avanza hacia el futuro de la banda. Es la banda que va viento en popa sin esfuerzo: inmediata y estimulante.
, que no sólo han superado las dificultades que el COVID-19 infligió a toda la industria musical, pero también toda una serie de dificultades personales y profesionales que seguramente convencerían a muchas bandas de rendirse y morir. Pero no esta interpretación de la banda de Seattle. De hecho, fácilmente podrían haber titulado este disco "Phoenix" porque una bestia absoluta está resurgiendo de las cenizas.
Su camino hacia la locura ha sido largo, sinuoso y sufrido, especialmente para los aficionados, cuya lealtad y paciencia se han puesto a prueba con interminables titulares dramáticos. La lista de bajas parece un informe policial. Después de alcanzar la cúspide creativa de la banda con el dúo de metal titánico de “Operation Mindcrime” (1998) y “Empire” (1990), las cosas comenzaron a desmoronarse con “Promise Land” de 1994, que carecía del pegadizo y cohesivo golpe de sus predecesores. “Hear in the Now Frontier” (1997) supuso una crisis de identidad absoluta, que marcó el comienzo de salida de Chris DeGarmo, a quien muchos fans consideraban el alma de la banda.
Gran parte de lo que vino después parecía estar fuertemente dirigido por Geoff Tate, cuya distintiva y altísima voz principal era un aspecto característico de la banda. Los siguientes cinco discos fueron mediocres , y era muy evidente que se había perdido la magia. El esfuerzo de Tate simplemente no fue suficiente para rescatar los discos de la composición plana y del vacío que apareció cuando DeGarmo se fue. El intento mal concebido de capitalizar el éxito comercial de “Operación Mindcrime” con una secuela descuidada simplemente empañó el pretigio de la banda. Abundaban los rumores de desersión en sus filas, y con el irónico título de 2011 “Dedicated to Chaos”, Queensrÿche tocó fondo. Los shows en vivo carecían de inspiración y, en 2012, los titulares de las revistas de metal y rock habalron del cantante principal que escupió a su baterista en Brasil, con la necesidad de separarlos físicamente, una separación que eventualmente se volvería permanente.
Al marcharse Tate de la banda, el ex vocal de Crimsom Glory, Todd La Torre se puso en los zapatos significativamente grandes de Geoff Tate y encabezó una versión sin Tate con los miembros restantes, mientras que Tate llevó su propia versión de gira con una mezcla heterogénea de músicos oficiales. Ahora la base de fans se vio obligada a elegir bando.En los años siguientes, ambos equipos corrieron para batir récords y reclamar el título de legitimidad. A juzgar por su rendimiento, el equipo de La Torre se adelantó mucho y dejó atrás la versión de Tate. Todd pareció comprender la identidad de la banda original e impulsó a los miembros a respetar el antiguo trabajo y realinearse con lo que hacía grande a la banda.mientras Tate parecía seguir buscando algo que resultó difícil de alcanzar. Un caso judicial finalmente resolvió a favor de otorgarle al equipo de La Torre el nombre oficial de la banda.
los primeros tres discos con Todd La Torre al frente hicieron mucho para restaurar la fe y el respeto. de la música que inicialmente cautivó a los fans en los años 80. Cada uno pareció generar impulso y refinar el proceso de la banda para volver a la relevancia. El homónimo “Queensrÿche” estableció la impresionante capacidad vocal de La Torre e hizo un esfuerzo por recuperar el sonido clásico sin repetir lo antiguo. “Condition Hüman” exploró un territorio nuevo sin desviarse demasiado, pero fue “The Verdict.” de 2022 parte de ese punto de partida. Con “Digital Noise Alliance”. Queensrÿche finalmente recuperó el sonido enojado, pesado y característico de la banda.
Hubiron más bajas en el personal. Por razones que siguen siendo no reveladas, el veterano baterista, Scott Rockenfield nunca grabó partes de “The Verdict”. Entonces La Torre no solo cantó, sino que también se hizo cargo de la batería, ofreciendo una interpretación inesperadamente sólida. El ex baterista de Kamelot, Casey Grillo, había estado tocando con la banda en vivo durante bastante tiempo, pero recién ahora en “Digital Noise Alliance” hace su debut discográfico con Queensrÿche. Y hace una aparición increíble. A pesar de sus raíces en el power metal, Casey aporta una interpretación fresca y apasionada a la batería que eleva este disco. Scott parece haberse ido para siempre, pero la posición de percusión quedo en buenas manos.
Una vez más, la banda se asoció con un productor llamado Zeuss, y no se puede subestimar el esfuerzo que hizo para lograr que el disco fuera sonoramente superior, con tonos de batería y guitarra que rugen, aplastan, rompen y crujen de una manera que pocos discos de la época pueden igualar. La interpretación de Todd en el disco es realmente sólida y los efectos aumentan las capas de trabajo innovador de fondo que aporto.
La mayoría del disco presenta canciones vanguardistas y dinámicas, con ganchos y melodías que son accesibles al instante pero lo suficientemente complejas como para pasar la prueba de escuchas repetidas sin aburrirse. Hay dos momentos estilísticamente divergentes en el disco, uno es el cierre inesperado del álbum: una versión rockera de Billy Idol “Rebel Yell”, que en realidad es más divertido de lo esperado y una interpretación fantástica de una canción que ha sido versionada por muchos. La versión de Todd de las variadas voces de Idol es sorprendentemente efectiva.
En general, las canciones son muy fuertes. La producción es impecable. Y de alguna manera Todd La Torre logra conservar una sorprendente capacidad vocal a pesar de una larga relación con el tabaquismo. “Digital Noise Alliance” es una fantástica incorporación al catálogo de Queensrÿche. uno que se basa en el sonido clásico y el estilo característico de su mejor producción y de alguna manera utiliza tecnología de producción moderna para construir un mecano mejor, en lugar de simplemente un clon.
Es muy escuchable gracias en gran parte a las opciones de tono. La bateríav de Casey es firme y están intercala con “gonks” de platillos con amplio panorama que rompen cualquier monotonía de percusión. Los tonos de la guitarra son exuberantes, mordaces y angulosos. Los solos corean y se elevan como debería hacerlo un disco de Queensrÿche. Aparentemente, durante las sesiones del álbum, Michael Wilton empleó varios amplificadores antiguos de los primeros días de la banda. “Terminamos usando la colección de viejos Marshalls de Michael”, dice Zeuss . “Los encendíamos y pensábamos: '¡Guau!', como si estuviéramos despertando a esta bestia. Aportó muchas buenas vibraciones al álbum”.
En resumen, “Digital Noise Alliance” es un disco metalero/rockero que Suena clásico y contemporáneo...es fácil sorprenderte gratamente al escucharlo durante el proceso.
